Лекция: Творчество и жизнь художников Итальянского Ренессанса (miscellanea)

Лекция: Творчество и жизнь художников Итальянского Ренессанса (miscellanea)

МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ (Michelangelo

Buonarroti) (1475–1564), итальян­ский скульптор, художник, архитектор и поэт.

Еще при жизни Микеланджело его произведения считались наивысшими достижениями

искусства Возрождения.

Юность. Микеланджело Буонарроти родился 6 марта

1475 в семье флорентинцев в Ка­презе. Его отец был высокопоставленным членом

городской администрации. Семья вскоре перебралась во Флоренцию; ее материальное

положение было скромным. Научившись чи­тать, писать и считать, Микеланджело в

1488 стал учеником художников братьев Гирландайо. Здесь он познакомился с

основными материалами и техниками и создал ка­рандашные копии произведений

великих флорентийских художников Джотто и Мазаччо; уже в этих копиях появилась

характерная для Микеланджело скульптурная трактовка форм.

Вскоре Микеланджело начал работать над скульптурами для коллекции Медичи и

привлек внимание Лоренцо Великолепного. В 1490 он поселился в палаццо Медичи

и оста­вался там до смерти Лоренцо в 1492. Лоренцо Медичи окружил себя

наиболее выдающи­мися людьми своего времени. Здесь были поэты, филологи,

философы, комментаторы, та­кие, как Марсилио Фичино, Анджело Полициано, Пико

делла Мирандола; сам Лоренцо был прекрасным поэтом. Восприятие Микеланджело

реальности как воплощенного в мате­рии духа несомненно восходит к

неоплатоникам. Для него скульптура была искусством «вычленения» или

освобождения фигуры, заключенной в каменном блоке. Не исключено, что

некоторые из его самых поразительных по силе воздействия произведений,

которые кажутся «неоконченными», могли быть намеренно оставлены такими,

потому что именно на этой стадии «освобождения» форма наиболее адекватно

воплощала замысел художника.

Некоторые из главных идей круга Лоренцо Медичи послужили источником

вдохнове­ния и терзаний Микеланджело в его дальнейшей жизни, в частности

противоречие между христианским благочестием и языческой чувственностью.

Считалось, что языческая фило­софия и христианские догматы могут быть

примирены (это отражено в названии одной из книг Фичино – «Платоновская

теология о бессмертии души»); что все знания, если они правильно поняты,

являются ключом к божественной истине. Физическая красота, вопло­щенная в

человеческом теле, является земным проявлением красоты духовной. Телесная

красота может прославляться, однако этого недостаточно, ибо тело – тюрьма

души, кото­рая стремится вернуться к своему Создателю, но может осуществить

это только в смерти. Согласно Пико делла Мирандола, в течение жизни человек

обладает свободой воли: он может вознестись к ангелам или погрузиться в

бессознательное животное состояние. Мо­лодой Микеланджело находился под

воздействием оптимистической философии гуманизма и верил в безграничные

возможности человека.

Мраморный рельеф Битва кентавров (Флоренция, Каса Буонарроти) имеет вид

рим­ского саркофага и изображает сцену из греческого мифа о битве людей лапифов

с полуживотными кентаврами, напавшими на них во время свадебного пиршества.

Сюжет был подсказан Анджело Полициано; его смысл – победа цивилизации над

варварством. Со­гласно мифу, лапифы победили, однако в интерпретации

Микеланджело исход битвы не­ясен. Скульптор создал компактные и напряженные

массы обнаженных тел, продемонст­рировав виртуозное мастерство в передаче

движения посредством игры света и тени. Следы резца и неровные края напоминают

нам о камне, из которого являются фигуры.

Второе произведение – деревянное Распятие (Флоренция, Каса Буонарроти).

Голова Христа с закрытыми глазами опущена на грудь, ритм тела определяется

скрещенными но­гами. Тонкость этого произведения отличает его от мощи фигур

мраморного рельефа.

Из-за опасности вторжения французов осенью 1494 Микеланджело покинул Флоренцию и

по пути в Венецию на некоторое время остановился в Болонье, где создал три

небольшие статуи для гробницы св. Доминика, работа над которой была прервана

из-за смерти начав­шего ее скульптора. В следующем году он ненадолго вернулся

во Флоренцию, а затем от­правился в Рим, где провел пять лет и в конце 1490-х

годов создал два крупных произведе­ния. Первое из них – статуя Вакха в

человеческий рост, предназначенная для кругового об­зора. Пьяного бога вина

сопровождает маленький сатир, который лакомится виноградной гроздью. Вакх как

будто готов упасть вперед, но сохраняет равновесие, отклоняясь назад; его

взгляд обращен на чашу с вином. Мускулатура спины выглядит упругой, но

расслабленные мышцы живота и бедер демонстрируют физическую, а значит и

духовную слабость. Скульптор добился решения трудной задачи: создать

впечатление неустойчиво­сти без композиционной неуравновешенности, которая

могла нарушить эстетический эф­фект.

Более монументальное произведение – мраморная Пьета (Ватикан, собор св.

Петра). Эта тема была популярна в эпоху Ренессанса, но здесь она трактуется

достаточно сдержанно. Смерть и сопровождающая ее скорбь словно содержатся в

мраморе, из кото­рого изваяна скульптура. Соотношение фигур таково, что они

образуют низкий треуголь­ник, точнее, коническую структуру. Обнаженное тело

Христа контрастирует с пышными, богатыми светотенью одеждами Богоматери.

Микеланджело изобразил Богоматерь моло­дой, словно это не Мать и Сын, а сестра,

оплакивающая безвременную смерть брата. Идеа­лизацию подобного рода использовал

Леонардо да Винчи и другие художники. Кроме того, Микеланджело был горячим

поклонником Данте. В начале молитвы св. Бернарда в послед­ней канцоне

Божественной комедии говорится: «Vergine Madre, figlia del tuo figlio

» – «Бо­гоматерь, дочь своего Сына». Скульптор нашел идеальный путь для

выражения в камне этого глубокой богословской мысли.

На облачении Богоматери Микеланджело в первый и последний раз вырезал

подпись: «Микеланджело, флорентинец». К 25 годам закончился период

формирования его личности, и он вернулся во Флоренцию в расцвете всех

возможностей, которыми может обладать скульптор.

Флоренция периода республики. В результате

вторжения французов в 1494 Медичи были изгнаны, и на четыре года во Флоренции

установилась фактическая теократия пропо­ведника Савонаролы. В 1498 в

результате интриг флорентийских деятелей и папского пре­стола Савонарола и два

его последователя были приговорены к сожжению на костре. Эти события во

Флоренции непосредственно не затронули Микеланджело, однако вряд ли они

оставили его равнодушным.

На смену вернувшемуся Средневековью Савонаролы пришла светская республика, для

которой Микеланджело создал свое первое крупное произведение во Флоренции,

мраморную статую Давида (1501–1504, Флоренция, Академия). Колоссальная

фигура вы­сотой 4,9 м вместе с основанием должна была стоять у собора.

Образ Давида был традиционен во Флоренции. Донателло и Верроккьо создали

бронзо­вые скульптуры юноши, чудесным образом поразившего великана, голова

которого лежит у его ног. В отличие от них Микеланджело изобразил момент,

предшествующий схватке. Давид стоит с переброшенной через плечо пращой,

сжимая в левой руке камень. Правая часть фигуры напряжена, в то время как

левая слегка расслаблена, как у атлета, готового к действию. Образ Давида

обладал особым смыслом для флорентийцев, и скульптура Мике­ланджело привлекла

всеобщее внимание. Давид стал символом свободной и бдительной республики,

готовой победить любого врага. Место у собора оказалось неподходящим, и

комитет граждан постановил, что скульптура должна охранять главный вход в

здание пра­вительства, палаццо Веккьо, перед которым теперь находится ее

копия.

Возможно, при участии Макиавелли в эти же годы был задуман еще один крупный

го­сударственный проект: Леонардо да Винчи и Микеланджело было поручено создать

две огромные фрески для зала Большого Совета в палаццо Веккьо на тему

исторических побед флорентийцев при Ангиари и при Кашине. Сохранились только

копии картона Микеланд­жело Битва при Кашине. На нем была изображена

группа солдат, бросающихся к оружию в то время, как на них внезапно напали

враги во время купания в реке. Сцена напоминает Битву кентавров; на ней

изображены обнаженные фигуры во всевозможных позах, кото­рые представляли для

мастера больший интерес, чем сам сюжет. Вероятно, картон Микеланджело пропал

ок. 1516; согласно автобиографии скульптора Бенвенуто Челлини, он был

источником вдохновения для многих художников.

К этому же времени (ок. 1504–1506) относится единственная бесспорно

принадлежащая Микеланджело картина – тондо Мадонна Дони (Флоренция,

Уффици), в котором нашло от­ражение стремление к передаче сложных поз и к

пластической трактовке форм человече­ского тела. Мадонна склонилась вправо,

чтобы взять Младенца, сидящего на колене Ио­сифа. Единство фигур подчеркивается

жесткой моделировкой драпировок с гладкими по­верхностями. Пейзаж с обнаженными

фигурами язычников за стеной беден деталями.

В 1506 Микеланджело начал работу над статуей Евангелиста Матфея

(Флоренция, Академия), которая должна была быть первой из серии 12 апостолов для

собора во Фло­ренции. Эта статуя осталась неоконченной, так как двумя годами

позже Микеланджело от­правился в Рим. Фигура вырубалась из мраморного блока,

сохраняя его прямоугольные формы. Она выполнена в сильном контрапосте

(напряженная динамическая неуравнове­шенность позы): левая нога поднята и

опирается на камень, что вызывает смещение оси между тазом и плечами.

Физическая энергия переходит в духовную, сила которой передается крайней

напряженностью тела.

Флорентийский период творчества Микеланджело был отмечен почти лихорадочной

ак­тивностью мастера: кроме перечисленных выше произведений, он создал два

рельефных тондо с изображениями Мадонны (Лондон и Флоренция), в которых

различная степень за­конченности используется для создания выразительности

образа; мраморную статую Ма­донны с Младенцем (собор Нотр-Дам в Брюгге) и

несохранившуюся бронзовую статую Давида.

В Риме времен папы Юлия II и Льва X. В

1503 Юлий II занял папский престол. Ни один из меценатов не использовал

искусство в целях пропаганды так широко, как Юлий II. Он начал сооружение

нового собора св. Петра, ремонт и расширение папской резиденции по образцу

римских дворцов и вилл, роспись папской капеллы и подготовку великолепной

гробницы для самого себя.

Детали этого проекта неясны, но, по-видимому, Юлий II представлял себе новый

храм со своей гробницей наподобие усыпальницы французских королей в Сен-Дени.

Проект но­вого собора св. Петра был поручен Браманте, а в 1505 Микеланджело

получил заказ на раз­работку проекта гробницы. Она должна была стоять

свободно и иметь размер 6 на 9 м. Внутри должно было находиться овальное

помещение, а снаружи – около 40 статуй. Ее создание было невозможно даже в то

время, но и папа, и художник были неудержимыми мечтателями.

Гробница так и не была построена в той форме, как ее задумал Микеланджело, и

эта «трагедия» преследовала его почти 40 лет. План гробницы и ее смысловое

содержание мо­гут быть реконструированы по предварительным рисункам и

описаниям. Наиболее веро­ятно, что гробница должна была символизировать

трехступенчатый подъем от земной жизни к вечной. У основания должны были

находиться статуи апостола Павла, Моисея и пророков, символы двух путей

достижения спасения. Наверху должны были помещаться два ангела, несущие Юлия

II в рай. В результате были завершены только три статуи; кон­тракт на

гробницу заключался шесть раз на протяжении 37 лет, и в конце концов памятник

был установлен в церкви Сан Пьетро ин Винколи.

В течение 1505–1506 Микеланджело постоянно посещал мраморные каменоломни,

вы­бирая материал для гробницы, в то время как Юлий II все более настойчиво

обращал его внимание на сооружение собора св. Петра. Гробница оставалась

незаконченной. В крайнем раздражении Микеланджело бежал из Рима 17 апреля

1506, за день до заложения фундамента собора.

Однако папа оставался непреклонным. Микеланджело был прощен и получил заказ

на изготовление статуи понтифика, позднее уничтоженной взбунтовавшимися

болонцами. В 1506 возник еще один проект – фрески потолка Сикстинской

капеллы. Она была построена в 1470-е годы дядей Юлия, папой Сикстом IV. В

начале 1480-х годов алтарная и боковые стены были украшены фресками с

евангельскими сюжетами и сценами из жизни Моисея, в создании которых

участвовали Перуджино, Боттичелли, Гирландайо и Росселли. Над ними находились

портреты пап, а свод оставался пустым.

В 1508 Микеланджело неохотно начал роспись свода. Работа продлилась немногим

бо­лее двух лет в промежутке между 1508 и 1512, при минимальном участии

помощников. Первоначально предполагалось изобразить фигуры апостолов на

престолах. Позднее, в письме 1523, Микеланджело с гордостью писал, что убедил

папу в несостоятельности этого замысла и получил полную свободу. Вместо

первоначального проекта была создана роспись, которую мы видим сейчас. Если

на боковых стенах капеллы представлены Эпоха Закона (Моисей) и Эпоха

Благодати (Христос), то роспись потолка представляет собой са­мое начало

истории человечества, Книгу Бытия.

Роспись потолка Сикстинской капеллы представляет собой сложную структуру,

состоящую из нарисованных элементов архитектурной декорации, отдельных фигур

и сцен. По сторонам от центральной части потолка под нарисованным карнизом

размещены гигантские фигуры ветхозаветных пророков и языческих сивилл,

восседающих на тронах. Между двумя карнизами изображены поперечные полосы,

имитирующие свод; они разгра­ничивают чередующиеся крупные и мелкие

повествовательные сцены из Книги Бытия. В люнетах и сферических треугольниках

в основании росписи также размещены сцены. Мно­гочисленные фигуры, в том

числе знаменитые ignudi (обнаженные) обрамляют сцены из Книги Бытия. Неясно,

имеют ли они какое-то особое значение или являются чисто декоративными.

Существующие интерпретации смысла этой росписи могли бы составить небольшую

библиотеку. Поскольку она находится в папской капелле, ее значение должно

было быть ортодоксальным, но несомненно, что в этом комплексе воплотилась и

ренессансная мысль.

В настоящей статье можно изложить лишь общепринятую интерпретацию основных

христианских идей, вложенных в эту роспись. Изображения распадаются на три

основные группы: сцены из Книги Бытия, пророки и сивиллы и сцены в пазухах

свода. Сцены из Книги Бытия, как и композиции на боковых стенах, расположены в

хронологическом по­рядке, от алтаря ко входу. Они распадаются на три триады.

Первая связана с сотворением мира. Вторая – Сотворение Адама,

Сотворение Евы, Искушение и Изгнание из рая – по­священа созданию

человечества и его грехопадению. Последняя повествует об истории Ноя,

заканчивающейся его опьянением. Не случайно Адам в Сотворении Адама и

Ной в Опьянении Ноя находятся в одинаковой позе: в первом случае

человек еще не обладает ду­шой, во втором он от нее отказывается. Таким

образом, эти сцены показывают, что челове­чество не один раз, а дважды лишалось

божественного благоволения.

В четырех парусах свода находятся сцены Юдифь и Олоферн, Давид и

Голиаф, Медный змий и Смерть Амана. Каждая из них – пример

таинственного участия Бога в спасении своего избранного народа. Об этой

божественной помощи повествовали пророки, предсказывавшие пришествие Мессии.

Кульминацией росписи является экстатическая фи­гура Ионы, расположенная над

алтарем и под сценой первого дня творения, к которой об­ращен его взор. Иона

является провозвестником Воскресения и вечной жизни, ибо он, по­добно Христу,

проведшему три дня в гробнице перед вознесением на небо, провел три дня во

чреве кита, а затем был возвращен к жизни. Через участие в мессе у алтаря внизу

ве­рующие причащались к тайне обещанного Христом спасения.

Повествование строится в духе героического и возвышенного гуманизма; и женские и

мужские фигуры исполнены мужественной силы. Фигуры обнаженных, обрамляющие

сцены, свидетельствуют об особенностях вкуса Микеланджело и его реакции на

классическое искусство: взятые вместе, они представляют собой энциклопедию

положений обнаженного человеческого тела, как это было и в Битве кентавров

, и в Битве при Ка­шине. Микеланджело не был склонен к спокойному

идеализму скульптуры Парфенона, но предпочитал мощный героизм эллинистического

и римского искусства, выразившийся в крупной, исполненной пафоса скульптурной

группе Лаокоон, найденной в Риме в 1506.

При рассуждениях о фресках Микеланджело в Сикстинской капелле следует принимать

во внимание их сохранность. Расчистка и реставрация росписи начались в 1980. В

результате были сняты отложения копоти, и тусклые цвета уступили место

ярко-розовому, лимонно-желтому и зеленому; более четко проявились контуры и

соотношение фигур и ар­хитектуры. Микеланджело предстал тонким колористом: он

сумел усилить скульптурное восприятие натуры при помощи цвета и учел большую

высоту потолка (18 м), который в 16 в. не мог быть освещен столь же ярко, как

это возможно сейчас. (Репродукции отреставри­рованных фресок опубликованы в

монументальном двухтомнике The Sistine Chapel Альф­реда А. Кнопфа,

1992. Среди 600 фотографий есть два панорамных вида росписи до и по­сле

реставрации.)

Папа Юлий II умер в 1513; на смену ему пришел Лев Х из семейства Медичи. С 1513

по 1516 Микеланджело работал над статуями, предназначенными для гробницы Юлия

II: фи­гурами двух рабов (Лувр) и статуей Моисея (Сан Пьетро ин Винколи, Рим).

Раб, рвущий путы изображен в резком повороте, подобно Евангелисту Матфею

. Умирающий раб слаб, он словно пытается подняться, но в бессилии

замирает, склонив голову под заломленной назад рукой. Моисей смотрит

влево, как Давид; в нем словно закипает возмущение при виде поклонения

золотому тельцу. Правая часть его тела напряжена, к боку прижаты скри­жали, а

резкое движение правой ноги подчеркнуто переброшенной через нее драпировкой.

Этот гигант, один из пророков, воплощенных в мраморе, олицетворяет terribilita,

«устрашающую силу».

Возвращение во Флоренцию. Годы между 1515 и

1520 были временем крушения планов Микеланджело. На него оказывали давление

наследники Юлия, и одновременно он служил новому папе из рода Медичи. В 1516 он

получил заказ на оформление фасада се­мейной церкви Медичи во Флоренции, Сан

Лоренцо. Микеланджело провел много времени на мраморных каменоломнях, но через

несколько лет договор был расторгнут. Возможно, в это же время скульптор начал

работу над статуями четырех рабов (Флоренция, Академия), оставшимися

незавершенными.

В начале 1500-х годов Микеланджело постоянно ездил из Флоренции в Рим и

обратно, но в 1520-е годы заказы на Новую сакристию (капеллу Медичи) церкви

Сан Лоренцо и библиотеку Лауренциана удерживали его во Флоренции до отъезда в

Рим в 1534. Читальный зал библиотеки Лауренциана представляет собой длинное

помещение из серого камня со светлыми стенами. Вестибюль, высокое помещение с

многочисленными утопленными в стену сдвоенными колоннами, словно с трудом

сдерживает лестницу, изли­вающуюся на пол. Лестница была закончена лишь к

концу жизни Микеланджело, а вести­бюль завершен только в 20 в.

Новая сакристия церкви Сан Лоренцо (капелла Медичи) составляла пару Старой,

построенной Брунеллески столетием раньше; она осталась неоконченной из-за

отъезда Микеланджело в Рим в 1534. Новая сакристия была задумана как

погребальная капелла Джулиано Медичи, брата римского папы Льва, и Лоренцо,

его племянника, которые умерли молодыми. Сам Лев Х умер в 1521, и вскоре на

папском престоле оказался другой член семьи Медичи, папа Климент VII, который

активно поддерживал этот проект. В сво­бодном кубическом пространстве,

увенчанном сводом, Микеланджело разместил пристенные гробницы с фигурами

Джулиано и Лоренцо. С одной стороны располагается алтарь, напротив – статуя

Мадонны с Младенцем, сидящей на прямоугольном саркофаге с останками Лоренцо

Великолепного и его брата Джулиано. По сторонам располагаются пристенные

гробницы младших Лоренцо и Джулиано. Их идеализированные статуи поме­щены в

ниши; взгляды обращены к Богоматери и Младенцу. На саркофагах находятся

ле­жащие фигуры, символизирующие День, Ночь, Утро и Вечер.

Когда Микеланджело в 1534 уехал в Рим, скульптуры еще не были установлены и

находились на разных стадиях завершенности. Сохранившиеся наброски

свидетельствуют о напряженной работе, предшествовавшей их созданию: были

проекты единой гробницы, двойной и даже свободно стоящей гробницы.

Эффект этих скульптур построен на контрастах. Лоренцо задумчив и созерцателен.

Фи­гуры находящихся под ним персонификаций Вечера и Утра

настолько расслабленны, что, кажется, могут соскользнуть с саркофагов, на

которых лежат. Фигура Джулиано, напротив, напряжена; он держит в руке жезл

полководца. Расположенные под ним Ночь и День – мощные

мускулистые фигуры, скорчившиеся в мучительном напряжении. Правдоподобно

предположение, что Лоренцо воплощает созерцательное начало, а Джулиано –

действен­ное.

Приблизительно в 1530 Микеланджело создал небольшую мраморную статую Аполлона

(Флоренция, Барджелло) и скульптурную группу Победа (Флоренция, палаццо

Веккьо); последняя, быть может, предназначалась для надгробия папы Юлия II.

Победа – гибкая изящная фигура из полированного мрамора, поддерживаемая

фигурой старика, лишь слегка поднимающейся над грубой поверхностью камня. Эта

группа демонстрирует близ­кую связь Микеланджело с искусством таких изысканных

маньеристов, как Бронзино, и представляет собой первый образец сочетания

законченности и незаконченности для соз­дания выразительного образа.

Пребывание в Риме. В 1534 Микеланджело переехал

в Рим. В это время Климент VII обдумывал тему фресковой росписи алтарной стены

Сикстинской капеллы. В 1534 он ос­тановился на теме Страшного суда. С 1536 по

1541, уже при папе Павле III, Микеланджело работал над этой огромной

композицией.

Прежде композиция Страшного суда строилась из нескольких отдельных

частей. У Микеланджело она представляет собой овальный водоворот нагих

мускулистых тел. Фи­гура Христа расположена наверху; его правая рука поднята в

жесте проклятия тем, кто на­ходится слева от него. Произведение наполнено

мощным движением: скелеты встают из земли, спасенная душа поднимается вверх по

гирлянде из роз, мужчина, которого дьявол тащит вниз, в ужасе закрывает лицо

руками.

Страшный суд стал отражением растущего пессимизма Микеланджело. Одна

деталь Страшного суда свидетельствует о его мрачном настроении и

представляет его горькую «подпись». У левой ноги Христа находится фигура св.

Варфоломея, держащего в руках собственную кожу (он принял мученическую смерть,

с него живьем содрали кожу). Черты лица святого напоминают Пьетро Аретино,

который страстно нападал на Микеланджело из-за того, что считал неприличной его

трактовку религиозного сюжета (позднее художники нарисовали драпировки на

обнаженных фигурах из Страшного суда). Лицо на снятой коже св. Варфоломея –

автопортрет художника.

Микеланджело продолжал работать над фресками в капелле Паолина, где он создал

композиции Обращение Савла и Распятие св. Петра – необычные и

замечательные произ­ведения, в которых нарушены ренессансные нормы композиции.

Их духовная насыщен­ность не была оценена; в них видели лишь то, что «это были

всего-навсего произведения старого человека» (Вазари).

Постепенно у Микеланджело, вероятно, формируется собственное представление о

хри­стианстве, выразившееся в его рисунках и стихах. Сначала оно питалось

идеями кружка Лоренцо Великолепного, основанными на неопределенности

толкований христианских текстов. В последние годы жизни Микеланджело

отвергает эти идеи. Его занимает вопрос, насколько искусство соразмерно

христианской вере и не является ли оно непозволитель­ным и высокомерным

соперничеством с единственным законным и настоящим Творцом?

В конце 1530-х годов Микеланджело занимался в основном архитектурными

проектами, которых создал множество, и построил несколько зданий в Риме,

среди них наиболее зна­чителен комплекс сооружений на Капитолийском холме, а

также проекты для собора св. Петра.

В 1538 на Капитолии была установлена римская конная бронзовая статуя Марка

Аврелия. Согласно проекту Микеланджело, ее обрамлением с трех сторон стали

фасады зданий. Самое высокое из них – дворец Сеньории с двумя лестницами. На

боковых фасадах находились огромные, в два этажа, коринфские пилястры,

увенчанные карнизом с балюстрадой и скульптурами. Комплекс Капитолия был

обильно украшен древними над­писями и скульптурами, символика которых

утверждала мощь древнего Рима, одушевлен­ную христианством.

В 1546 умер архитектор Антонио да Сангалло, и Микеланджело стал главным

архитек­тором собора св. Петра. План Браманте 1505 предполагал сооружение

центрического храма, но вскоре после его смерти был принят более традиционный

базиликальный план Антонио да Сангалло. Микеланджело решил убрать сложные

неоготические элементы плана Сангалло и вернуться к простому, строго

организованному центрическому пространству, над которым доминировал огромный

купол на четырех опорах. Микеланд­жело не удалось полностью воплотить этот

замысел, но он успел построить заднюю и бо­ковые стены собора с гигантскими

коринфскими пилястрами с нишами и окнами между ними.

С конца 1540-х годов до 1555 Микеланджело работал над скульптурной группой

Пьета (Собор Санта Мария дель Фьоре, Флоренция). Мертвое тело Христа держит

св. Никодим и с двух сторон поддерживают Богоматерь и Мария Магдалина

(закончена фигура Христа и отчасти св. Магдалины). В отличие от Пьеты

собора св. Петра, эта группа более плоскостная и угловатая, внимание

сосредоточено на изломанной линии тела Христа. Рас­положение трех незаконченных

голов создает драматический эффект, редкий в произведе­ниях на этот сюжет.

Возможно, голова св. Никодима была еще одним автопортретом ста­рого

Микеланджело, а сама скульптурная группа предназначалась для его надгробия.

Об­наружив трещину в камне, он разбил работу молотком; позднее она была

восстановлена его учениками.

За шесть дней до смерти Микеланджело работал над вторым вариантом Пьеты.

Пьета Ронданини (Милан, Кастелло Сфорцеска), вероятно, была начата десятью

годами ранее. Одинокая Богоматерь поддерживает мертвое тело Христа. Смысл этого

произведения – трагическое единство матери и сына, где тело изображено

настолько исхудалым, что не ос­тается надежды на возвращение жизни.

Микеланджело умер 18 февраля 1564. Его тело было перевезено во Флоренцию и

торжественно погребено.

Микеланджело Буонаротти

Микеланджело (1475-1564) - несомненно один из наиболее вдохновенных

художников в истории искусства и, наравне с Леонардо да Винчи, наиболее

мощная фигура итальянского Высокого Возрождения. Как скульптор, архитектор,

живописец и поэт, Микеланджело оказал огромное влияние на своих современников

и на последующее Западное искусство вообще.

Он считал себя флорентинцем - хотя родился 6 марта 1475 года в маленькой

деревне Капрезе около города Ареццо. Микеланджело глубоко любил свой

город, его искусство, культуру и пронес эту любовь до конца своих дней. Он

провел большую часть зрелых лет в Риме, работая по заказам римских пап;

однако оставил завещание, в соответствие с которым тело его было погребено

во Флоренции, в прекрасной гробнице в церкви Санта Кроче.

Ранний период - работа во Флоренции.

Отец Микеланджело, должностное лицо во Флоренции, звался Лодовико

Буонаротти. Он был связан с правящим семейством Медичи, при помощи

которых ему удалось устроить 13-летнего сына учеником в мастерскую

живописца Доменико Гирландайо. После того, как приблизительно в течение

приблизительно двух лет Микеланджело изучал скульптуру в школе скульптуры в

садах Медичи, он был приглашен в дом Лоренцо Де Медичи, прозванного

Великолепным. Там он имел возможность познакомиться с молодым

представителями семейства Медичи, двое из которых позже стал римскими

папами ( Лев X и Климент VII ). Он также познакомился с таким гуманистами как

Марсилио Фичино и поэт Анджело Полициано, часто посещавшими дом Медичи. К

этому периоду могут быть отнесены по меньшей мере две дошедшие до наших

дней скульптурные работы Микеланджело, которому еще не исполнилось и

шестнадцати - Битва Геркулеса с кентаврами и Мадонна на лестнице (1489-92,

Дворец Буонаротти, Флоренция ). В них видно наличие собственного

скульптурного стиля юного художника.

Патрон и постоянный заказчик Микеланджело Лоренцо Великолепный умер в

1492 году; два года спустя художник на время перебрался в Болонью, где в

1494 и 1495 он выполнил несколько мраморных статуй для Алтаря Сан Доменико

в Церкви Сан Доменико.

Первый римский период

Микеланджело тогда поехал в Рим, где он смог исследовать многие недавно

раскопанные древние статуи и руины. Скоро он создал первую

крупномасштабную скульптуру - Вакха более чем в натуральную величину (1496-

98, Барджелло, Флоренция ). Один из выполненных сделанных скульптором

работ на языческий, а не на Христианский сюжет, конкурировала с античной

скульптурой - самая высокая марка восторга в Риме эпохи Возрождения.

Примерно в то же время Микеланджело выполнил мраморную скульптуру Пиета

(Оплакивание Христа) (1498-1500), которая до сих пор находится в

первоначальном месте - в Соборе Св. Петра. Это одна из наиболее известных

работ в истории мирового искусства. Пиета была, вероятно, закончен

Микеланджело прежде, чем ему исполнилось 25 лет. Это -единственная работа,

которую он подписал. Молодая Мария изображена с мертвым Христом на

коленях - образ, заимствованный из североевропейского искусства. Взгляд

Марии не настолько печален, насколько торжественен. Это высшая точка

творчества молодого Микеланджело.

Возвращение во Флоренцию

Не менее значимой работой молодого Микеланджело стало гигантское (4.34 м)

мраморное изображение Давида (( Академия, Флоренция), выполненное между

1501 и 1504, после возвращения во Флоренцию. Герой Ветхого Завета

изображен Микеланджело в виде красивого, мускулистого, обнаженного юноши,

который с тревогой смотрит вдаль, как будто оценивая своего врага - Голиаф, с

которым ему предстоит биться. Живое, напряженное выражение лица Давида

характерно для многих работ Микеланджело - это признак его индивидуальной

скульптурной манеры. Давид, наиболее известная скульптура Микеланджело,

стала символом Флоренции и первоначально была помещена на Пьяцца делла

Синьория перед Палаццо Веккьо, флорентийской ратушей. Этой статуей

Микеланджело доказал своим современникам, что он не только превзошел всех

современных ему художников, но также мастеров античности.

Одновременно с работой над статуей Давида Микеланджело получил

возможность доказать свой талант живописца - ему была заказана фреска

"Битва при Кашине" для Зала Пятиста Палаццо Веккьо. Одновременно Леонардо

Да Винчи должен был написать вторую фреску для того же зала - "Сражение при

Ангиари". Ни тот, ни другой художник не закончили своей работы - они

остановились на стадии картонов - подготовительных изображений в

натуральную величину. Микеланджело создал ряд обнаженных и одетых фигур в

самых разнообразных позах и положениях. Картоны "Битвы при Кашине" -

прелюдия к его следующему произведению, росписи свода Сикстинской Капеллы

в Ватикане.

Роспись свода Сикстинской Капеллы

В 1505 году Микеланджело был вызван в Риму к Римскому Папе Юлию II для

выполнения двух заказов. Наиболее важной была фресковая роспись свода

Сикстинской Капеллы. Работая лежа на высоких лесах прямо под потолком,

Микеланджело в период с 1508 по 1512 год создал самые прекрасные

иллюстрации к некоторым библейским сказаниям. На своде папской часовни он

изобразил девять сюжетов из Книги Бытия, начиная с Отделения Света от Тьмы

и включая Создание Адама, Создание Евы, Искушение и Грехопадение Адама и

Евы, и Вселенский потоп. Вокруг основных картин чередуются изображения

пророков и сивилл на мраморных тронах, другие старозаветные персонажи и

праотцы Христа.

Для подготовки к этой великой работе Микеланджело выполнил огромное

количество эскизов и картонов, на которых изобразил фигуры натурщиков в

самых разных позах. Эти царственные, могущественные образы доказывают

мастерское понимание художником человеческой анатомии и движения, что дало

толчок новому направлению в западно-европейском искусстве.

Гробница Юлия II

Еще до того, как в 1505 году Микеланджело было поручено папой Юлием II

расписать свод Сикстинской Капеллы, он получил от того же Юлия II заказ на

создание для него гробницы, которая должна была стать самым великолепным

из всех надгробных памятников Христианских времен. Располагаться гробница

должна была в строящемся тогда новом Соборе Св. Петра. Микеланджело с

энтузиазмом принялся за эту работу, которая должна была включать более чем

40 фигур. Он проводил месяцы в карьерах, чтобы получить необходимый

каррарский мрамор.

Однако, ввиду нехватки средств, Римский папа приказал ему отложить работу

над гробницей и выполнить сначала роспись свода Сикстинской Капеллы. Когда

Микеланджело вернулся к работе над гробницей, он повторно разработал

проект, пытаясь сделать его как можно менее дорогостоящим. Он выполнил

некоторые скульптуры для гробницы, и в первую очередь самую прекрасную -

Моисея ( приблизительно 1515 ). Моисей должен был стать центром композиции

нового проекта. Сейчас эта статую находится в римской церкви Святого Петра в

веригах. Мускулистый патриарх с тревожным взглядом сидит в неглубокой нише.

В руках его - скрижали с Десятью Заповедями. Его длинная борода струится

между могучих пальцев. Он смотрит вдаль, как бы общаясь с Богом.

Две других превосходных статуи, Скованный пленник и Смерть Раба (обе ок.

1510-13 ) находятся в Лувре, Париж. Они демонстрируют подход Микеланджело

к скульптуре. По его мнению, фигуры просто заключены внутри мраморного

блока, и задача художника - освободить их, удалив избыток камня.

Часто Микеланджело оставлял скульптуры незаконченными - либо потому, что

они становились не нужны, либо просто потому, что они теряли для художника

свой интерес.

Библиотека Сан Лоренцо

Проект гробницы Юлия II требовал архитектурной проработки, но серьезная

работа Микеланджело на архитектурном поприще началась только в 1519 году,

когда ему был заказан фасад Библиотеки Св. Лаврентия во Флоренции, куда

художник снова вернулся (проект этот так и не был осуществлен). В 1520-х годах

он также разработал и изящный входной зал Библиотеки, примыкающий к церкви

Сан Лоренцо. Сооружения эти были закончены только через несколько

десятилетий после смерти автора.

Микеланджело, приверженец республиканской фракции, участвовал в 1527-29

годах в войне против Медичи. В круг его обязанностей входили строительство и

реконструкция фортификационных укреплений Флоренции.

Капеллы Медичи

Прожив во Флоренции в течение довольно длительного периода, Микеланджело

выполнил между 1519 и 1534 годами заказ семейства Медичи на возведение

двух гробниц в новой ризнице церкви Сан Лоренцо. В зале с высоким купольным

сводом художник воздвиг у стен две великолепные усыпальницы, предназна-

ченные для Лоренцо Де Медичи, герцога Урбино и для Джулиано Де Медичи,

герцога Немурского. Две сложных могилы задумывались как представление

противоположных типов: Лоренцо - личность, заключенная сама в себе, человек

задумчивый, замкнутый; Джулиано, наоборот, активный, открытый. Над могилой

Лоренцо скульптор поместил аллегорические скульптуры Утра и Вечера, а над

могилой Джулиано - аллегории Дня и Ночи. Работа над гробницами Медичи

продолжалась и после того, как в 1534 году Микеланджело возвратился в Рим.

Больше он никогда не бывал в своем любимом городе.

Страшный суд

С 1536 по 1541 год Микеланджело работал в Риме над росписью алтарной стены

Сикстинской капеллы в Ватикане. Самая большая фреска Эпохи Возрождения

изображает день Страшного суда.

Христос, с огненной молнией в руке, неумолимо разделяет всех жителей земли

на спасенных праведников, изображенных в левой части композиции, и

грешников, спускающихся в Дантов ад (левая часть фрески). Строго следуя

собственной традиции, Микеланджело изначально нарисовал все цифры

обнаженными, но десятилетием позже какой-то художник-пуританин "одел" их,

поскольку культурный климат стал более консервативным. Микеланджело

оставил на фреске собственный автопортрет - его лицо с легкостью угадывается

на коже, содранной со Св. Мученика Апостола Варфоломея.

Хотя в этот период Микеланджело имел и другие живописные заказы, как,

например, роспись капеллы Св. Апостола Павла (1940), в первую очередь он

старался отдавать все силы архитектуре.

Капитолийский холм

В 1538-1539 годах Микеланджело был составлен план реконструкции зданий,

расположенных на Капитолийском холме - в самом сердце Рима. План

Микеланджело не был полностью реализован до конца 1550-х годов, а работы

продолжались вплоть до начала 17-ого столетия.

На вершине Капитолийского холма великий мастер решил устроить площадь

овальной формы, в центре которой должна была находиться античная бронзовая

конная скульптура Императора Марка Аврелия. Для Палаццо деи Консерватори

он спроектировал новый фасад, гармонирующий с остальными зданиями,

расположившимися на площади, одновременно сохранив традиционную римскую

монументальность.

Купол Собора Св. Петра

В 1546 году Микеланджело был назначен главным архитектором строящегося

Собора Св. Петра в Ватикане. Здание было построено согласно плану Донато

Браманте, но Микеланджело в конечном счете стал ответственным за соору-

жение алтарной абсиды и за разработку инженерного и художественного решения

купола собора. Завершение строительства Собора Св. Петра стало высшим

достижением флорентийского мастера в области архитектуры.

Достижения Микеланджело

В течение своей длинной жизни Микеланджело был близким другом принцев и

римских пап, от Лоренцо Де Медичи до Льва X, Климента VIII, и Пия III, а также

многих кардиналов, живописцев и поэтов. Характер художника, его жизненную

позицию трудно однозначно понять через его произведения - настолько они

разнообразны. Разве что в поэзии, в собственных стихах Микеланджело чаще и

глубже обращался к вопросам творчества и своего места в искусстве. Большое

место в его стихах отведено тем проблемам и затруднениям, с которыми ему

пришлось столкнуться в своей работе, и личным отношениям с наиболее

видными представителями той эпохи.

Один из известнейших поэтов Эпохи Возрождения Лодовико Ариосто написал

эпитафию для этого известного художника:

" Микеле больше чем смертный, он - божественный ангел. "

Действительно, эпитет "божественный" часто употребляется в отношении

Микеланджело из-за его абсолютно неординарных талантов. Два поколения

итальянских живописцев и скульпторов следовали его приемам обработки

человеческой фигуры: Рафаэль, Аннибале Карраччи, Понтормо, Россо

Фиорентино, Себастиано дель Пьомбо и Тициан. Его купол Собора Св. Петра

стал символом власти, а также моделью для куполов в западно-европейской и

даже американской архитектуре - достаточно сравнить его с куполом Капитолия

в Вашингтоне. В творчестве Микеланджело (1475-1564) искусство

гражданин.

первосвященники Юлий II, Лев X, Климент VII, Павел III и Юлий III, Павел IV,

и Пий IV всегда хотели видеть его при себе, а также, как известно, и Сулейман

- повелитель турок, Франциск Валуа - король фран­цузский, Карл V - император.

Венецианская синьория и герцог Козимо Медичи - все они с почетом награ­ждали

его только ради того, чтобы пользоваться его великим талантом.

.

Леонардо да Винчи

«Дама с горностаем»

«Дама с горностаем»- это семнадцатилетняя Чечилия

Галлерани. с лицом почти статичным, она все же обладает магнетизмом

необычайного, скрытого дви­жения.

Вглядитесь пристальней в тонкие, одухотворенные черты «Дамы с горностаем», в

её осанку, полную достоинства, в её строгую, но изящную одежду и перед вами

мгновенно предстанет Ренессанс с его ве­ликолепными творениями гениальных

мастеров искусств.

«Мадонна с цветком»

Человек- увенчание природы. Роль, ему подобающая, как хозяину жизни,

завоевывается в полном рас­крепощении его энергии и воли: как у этой юной

шаловливой матери, почти ребенка, которая с полной непринужденностью может

повернуть голову, чтобы одарить нас счастливой улыбкой, и затем снова отдать

себя всю радостной игре с сыном, таким крепким и уже властным.

«Мадонна Литта»

Это необыкновенно лирический, волнующий материнский образ. Идеальная красота!

Между тем, воо­ружившись лупой, вы обнаружите, что у прекрасной мадонны.

обгрызенные ногти (обгрызенные или обломанные ногти встречаются и у некоторых

других итальянских мадонн той же эпохи, когда маникюр был, вероятно,

распространен лишь в аристократическом кругу).

Почему же художник передал такую подробность, несколько неожиданную, в

созданном им образе? Очевидно, такие ногти были у натурщицы, позировавшей ему

для мадонны. А то, что он их воспроизвел, подтверждает некий закон, при

котором даже в самом вольном своем творчестве худож­ник какими-то нитями

всегда остается связан с объективной реальностью.

“Джоконда”

Леонардо да Винчи считал, что “хороший живописец должен писать две главные

вещи: человека и представления его души”. В Джоконде создал неповторимый по

сложности, тонкости психологический портрет Человека.

Вот уже без малого пять веков как миллионы людей любуются этим шедевром

мирового искусства.

Живая. Это подтверждвется фантастическим контрастом между сияющим ликом

Джоконды, стереоскопически объемным, ярким и призрачным отражениями фигур

зрителей, проходящих в оче­реди.

Джоконда - эта добродетельная, в скромной одежде дама - скрывает за улыбчивой

маской душу тре­петную, глубокую, ум острый, все постигающий.

Невозможно описать словами состояние, которое придал Моне Лизе Леонардо:

настолько неуловимы, зашифрованы трепетные движения её души. Мы не знаем, что

будет через миг с Моной Лизой - рассме­ется она или заплачет, разгневается

или будет продолжать улыбаться.

Джоконда предельно простая, почти вдовьей одежде. Такая доступная и

непостижимая в этой своей от­крытости.

Портрет прекрасной флорентийки в значительной степени воплощает нравственный

и эстетический идеал эпохи Возрождения. В облике этой женщины предстает перед

нами одухотворенное ''лицо'' эпохи, озаренное чувством собственного

достоинства, богатством интеллекта, глубиной душевных пе­реживаний.

Лицо Моны Лизы отражает богатство оттенков её духовной жизни. Улыбка слегка

трогает губы жен­щины, но особенность этой улыбки в том, что она показана не

как факт, а как процесс: еле заметные движения, приподнимающее уголки губ,

меняющее мимику лица. Одухотворенному образу, созданному Леонардо,

удивительно соответствует необыкновенно поэтичный пейзаж, рассмотренный

сверху, те­ряющийся в голубой дали. Женщина, изображенная на портрете,

является частью этой природы, что в полной мере соответствовало взглядом

эпохи Возрождения: ''Человек - часть природы''.

Множество научных трудов посвящено этому портрету, и все же история его до

конца не разгадана. Прежде всего остается загадкой, кто позировал художнику:

была ли это молодая жена богатого фло­рентийского купца дель Джокондо или

флорентийка, жившая по соседству с Леонардо да Винчи, имя которой осталось

неизвестно. Возможно, образ, который мы видим на портрете, - собирательный,

иде­альный образ молодой женщины той эпохи. Бесспорно лишь одно – для нас она

навсегда останется «Джокондой», такое имя носит портрет уже не один век.

Рафаэль

«Флорентийские мадонны»

Флорентийские мадонны Рафаэля – это бесконечно изящные, миловидные,

трогательные и чарующие юные матери. Мадонны, созданные им в Риме, то есть в

период его полной художественной зрелости, приобретают иные черты. Это уже

владычицы, богини добра и красоты, властные своей женственно­стью,

облагораживающие мир, смягчающие человеческие сердца и сулящие миру ту

одухотворенную гармонию, которую они собой выражают. «Мадонна в кресле»,

«Мадонна с рыбой», «Мадонна дель Фо­линьо» и другие всемирные известные

мадонны, то в полной свободе вписанные в круг, то царящие в славе над прочими

фигурами в больших алтарных композициях, знаменуют новые искания Рафаэля,

путь его к совершенству в воплощении идеального образа мадонны.

Общность типа некоторых рафаэлевских женских образов римского периода

Страницы: 1, 2, 3, 4