Реферат: Художники передвижники

Реферат: Художники передвижники

У Чехова в Крыму Левитан встретил новый 1900 год, последний год своей жизни.

Две недели провел Левитан с Чеховым, рассказывал писателю о новых замыслах, о

еще не написанных картинах о своих учениках..

Еще в 1898 году Левитан начал преподавать в том самом училище, в котором

учился сам. Он мечтал создать Дом пейзажей - большую мастерскую, в которой

могли бы работать все русские пейзажисты. Один из учеников Левитана

вспоминал: "Влияние Левитана на нас, учеников, было очень велико. Это

обусловливалось не только его авторитетом как художника, но и тем, что

Левитан был разносторонне образованным человеком... Левитан умел к каждому из

нас подойти творчески, как художник; под его корректурой этюд, картины

оживали, каждый раз по-новому, как оживали на выставках в его собственных

картинах уголки родной природы, до него никем не замеченные, не открытые".

Когда открылась пейзажная мастерская, почти половина большой комнаты была

отведена под уголок леса, в котором были ели, небольшие деревья с желтыми

листьями, зеленый мох, дерн, кадки с папоротниками. Свет из окна падал так,

как бы он падал на лесной поляне. И. Е. Репин в один из своих приездов в

училище был поражен этой мастерской. Левитан советовал своим ученикам не

ограничиваться поисками удачной композиции, нужного колорита. Главной задачей

пейзажиста он считал создание образа, способного передать жизнь природы.

Часто Левитан привозил в мастерскую цветы. Он говорил своим ученикам, что

цветы надо писать так, чтобы от них пахло не красками, а цветами. "Полезно с

натуры сделать два-три мазка, а остальное доделать дома, - говорил Левитан. -

Запоминать надо не отдельные предметы, а стараться схватить общее, то, в чем

сказалась жизнь, гармония цветов". Левитан был очень внимателен к своим

ученикам. От его пристального взгляда ничего нельзя было скрыть. Он видел,

что одному трудно найти форму, а другой подражает признанным авторитетам.

Иной раз Левитан замечал, что его ученики материально нуждаются, и немедленно

оказывал им помощь. Помогал он очень тактично, не обижая. Летом ученики

Левитана выезжали на этюды. Так было и летом 1900 года. Ученики Левитана

поселились в Химках. Они ждали своего учителя и написали ему шуточное письмо,

в котором сообщали, между прочим, что уже грачи, чьи гнезда чернели на

деревьях возле дачи, соскучились и все время кричат: "Где Левитан, где Исаак

Ильич?" В ответном письме Левитан, всегда ценивший шутку, писал: "Передайте

грачам, что как только встану - приеду. А если будут очень надоедать,

попугайте: не только приедет, но и ружье привезет".

Но Левитан уже не встал. "Как Левитан? Меня ужасно мучает неизвестность. Если

что слышали, то напишите, пожалуйста", - спрашивал Чехов из Ялты 0. Л.

Книппер. Тревога Чехова была не напрасной. 22 июля (4 августа) 1900 года

Левитан умер.

Свою последнюю большую картину художник назвал "Озеро, Русь". Широкая гладь

воды отражает облака, освещенные солнцем. На дальнем берегу, насколько видит

глаз, поля, деревушки, купола церквей. Все в картине - солнце, ветер,

несущиеся облака - пронизано ощущением счастья. Трудно поверить, что это

полотно писал умирающий художник. Казалось, он хотел сказать: "Это Русь,

счастливая, свободная, какой она может быть и будет. Не бедность, не смирение

и страдания удел России, она вся - в будущем".

В картине "Озеро, Русь" Левитан особенно приближает чистый пейзаж к

человеческой жизни. Радостный, полный солнечного света, воздуха пейзаж

картины с ее торжественными просторами земли и неба кажется олицетворением

праздничного дня в деревне.

Основой этого предельно возможного приближения образа природы к человеческой

жизни была усвоенная Левитаном традиция понимания пейзажа как части общей

темы народной жизни. В картине "Озеро, Русь" мы видим как бы завершение того,

что так ясно выражается и в "После дождя. Плес", и в "Тихой обители", и в

"Вечернем звоне", и в ряде других картин.

Левитан встретил широкое признание в обществе. Его элегичность была созвучна

преобладающим настроениям русской интеллигенции, а в его видении природы

счастливо сочетались объективное и личное, традиционность и новизна. Младший

современник Левитана, В. Борисов-Мусатов, еще более элегичен, но он и более

обособлен в своем строе меланхолических переживаний: его полотна требуют от

зрителя избирательной психологической совместимости с художником. Лирика

Левитана масштабнее, а потому доходчивее. Подобно своим учителям Саврасову и

Поленову, он не был лириком субъективного типа, хотя элемент "личного" у него

сильнее. В его искусстве есть та утонченная нервность, которая характерна для

душевного склада "детей рубежа", но вместе с тем оно вызывает общезначимые

ассоциации, уходящими корнями в историю и поэзию народа. Писал ли он Волгу -

эта была раздольная река русских песен. Писал Владимирскую дорогу - в ней

узнавалась, не по внешним приметам, а по настроению, дорога ссыльных, широкий

тоскливый тракт, где "колодников звонкие цепи взметают дорожную пыль". Писал

"У омута" - вспоминались предания об утопленницах. А какой рой воспоминаний

будят у каждого, кто когда-либо чувствовал очарование русской весны, "Март"

или "Большая вода", с их голубыми звонами, физически ощутимым теплом солнца и

свежестью последнего снега, с этой осоловевшей на солнце покорной лошадкой и

с этими тонкими березами в половодье. Пленэр, - да, конечно, здесь сколько

угодно пленэра, но все живописные категории "умирают" в неотразимом чувстве

родины, родных мест.

Какой-то перебор, какое-то чрезмерное нагнетание настроения есть, может быть,

только в той картине, которой сам художник особенно дорожил, - "Над вечным

покоем". Это пейзажное memtnto mori: в огромном небе тревожно и грозно

наплывают тучи над таким маленьким по сравнению с небом, таким смиренным

кладбищем возле деревянной церкви. Об этой картине Левитан писал Третьякову:

"...в ней я весь со всей психикой, со всем моим содержанием".

Левитан прожил всего сорок лет. Он был порывисто-неуравновешенным человеком,

легко ранимым, подверженным приступам тоски, доводившим его до попыток

самоубийства. Вместе с тем он умел радоваться и наслаждаться жизнью.

Контрастность его душевных состояний сказывалась на выборе и трактовке

состояний природы: он показывал русскую природу в широком диапазоне, от

сумрачного минора до ясной праздничности. Воля к радости вспыхнула у него

особенно в последние годы, когда он был болен тяжело и неизлечимо. В дневнике

Чехова есть лаконичная запись , помеченная декабрем 1896 года: "У Левитана

расширение аорты. Носит на груди глину. Превосходные этюды и страстная жажда

жизни". В эти годы, нося на груди глину, Левитан написал самые мажорные свои

вещи - "Март", "Озеро в солнечный день", "Золотую осень". И уже в год смерти,

совпавший с последним годом века, - "Летний вечер". Небольшая по размеру и

очень простая по мотиву (дорожка, околица и лес на горизонте), эта картина

написана с замечательной живописной свободой, широкими мазками, построена на

отношениях немногих тонов, холодных и теплых. Но, как всегда, технику у

Левитана не замечаешь. Вы чувствуете себя мирным путником, идущим из тени

навстречу закатному свету через позолоченные им ворота околицы. И

действительно, кажется, что "там, где была вечерняя заря, покоилось отражение

чего-то неземного, вечного". Чехов словно предугадал настроение прощальной

картины Левитана.

В русской природе, которую Левитан любил превыше всего, ему всегда хотелось

излить свое внутреннее настроение и тревогу, раствориться в ее гармонии,

найти "тихую обитель". Название этой картины - своеобразная черта времени.

Кажется, русское искусство вновь проходило стадию тихого романтизма.

"Вся недолгая творческая жизнь Левитана была наполнена вечными неустанными

поисками. ...Развитие его творчества - это поиски новых и новых образов

русской природы, в которых раскрывались бы все новые ее черты и признаки. А

вместе с этим это была и эволюция самого художнического восприятия природы,

отношения к ней, ее живописной передачи. Это была богатая достижениями

эволюция всего живописного строя искусства Левитана", - пишет в своей

монографии "Левитан. Жизнь и творчество" А. А. Федоров-Давыдов.

Художественное наследие Исаака Левитана огромно, живописные полотна,

акварели, пастели, графика, иллюстрации.

Характеризуя русских пейзажистов, Игорь Грабарь особо выделяет творчество

Левитана: "Он самый большой поэт среди них и самый большой чародей

настроения, он наделен наиболее музыкальной душой и наиболее острым чутьем

русских мотивов в пейзаже. Поэтому Левитан, вобравший в себя все лучшие

стороны Сероват", Коровина, Остроухова и целого ряда других своих друзей,

смог из всех этих элементов создать свой собственный стиль, который явйлся

вместе с тем и стилем русского пейзажа, по справедливости названного

"левитановским"".

В Петербурге шел трудный и сопряженный с большими издержками процесс взаимной

адаптации позднего передвижничества и позднего академизма, художественная

жизнь Москвы протекала гораздо более ярко, чем в столице. Здесь развивались

свои, московские традиции, заложенные в Училище живописи и ваяния, здесь был

кружок Мамонтова, галерея Третьякова, здесь в последней четверти века

работали и Суриков, и Васнецов, и Поленов и формировалась плеяда новых

молодых талантов. В Москве собственным путем развивалась пейзажная живопись,

подарив русскому искусству несравненного Левитана.

Березовая роща

1885-1889

Бумага на холсте

28,5*50

Государственная Третьяковская галерея

Вечер на Волге

1889

Холст, масло

115*56

Государственнная Третьяковская галерея

Осенний день. Сокольники

1897

Холст, масло

145*189,7

Государственнная Третьяковская галерея

ВИКТОР МИХАЙЛОВИЧ ВАСНЕЦОВ

Васнецов Виктор Михайлович [3(15).5.1848, с. Лопьял, ныне Кировской области,

- 23.7.1926, Москва], русский живописец. Учился в Петербурге в Рисовальной

школе общества поощрения художеств (1867-68) у И. Н. Крамского и в АХ (1868-

75), действительным членом которой стал в 1893. С 1878 член Товарищества

передвижников. Посетил Францию (1876) и Италию (1885). Жил в Петербурге и

Москве. В годы учёбы выполнял рисунки для журналов и дешёвых народных изделий

("Народная азбука" Столпянского, издавалась в 1867; "Тарас Бульба" Н. В.

Гоголя, издавалась в 1874). В 1870-е гг. выступил с небольшими жанровыми

картинами, тщательно написанными преимущественно в серовато-коричневой

цветовой гамме. В сценках уличной и домашней жизни мелких купцов и

чиновников, городской бедноты и крестьян Васнецов с большой наблюдательностью

запечатлел различные типы современного ему общества ("С квартиры на

квартиру", 1876, "Военная телеграмма", 1878, - обе в Третьяковской галерее).

В 1880-е гг., оставив жанровую живопись, создавал произведения на темы

национальной истории, русских былин и народных сказок, посвятив им почти

полностью всё своё дальнейшее творчество. Одним из первых русских художников

обратившись к русскому фольклору, Васнецов стремился придать эпический

характер своим произведениям, в поэтической форме воплотить вековые народные

идеалы и высокие патриотические чувства. Васнецов создал картины "После

побоища Игоря Святославича с половцами" (1880), "Аленушка" (1881),

проникнутая искренней поэтичностью, "Иван-царевич на сером волке" (1889),

"Богатыри" (1881-98), исполненные веры в богатырские силы народа, "Царь Иван

Васильевич Грозный" (1897, все в Третьяковской галерее). С общей

направленностью станковой живописи Васнецова 1880-1890-х гг. тесно связаны

его работы для театра. Отличающиеся народнопоэтическим складом декорации и

костюмы к пьесе-сказке "Снегурочка" А. Н. Островского (поставлена в домашнем

театре С. И. Мамонтова в 1882) и одноимённой опере Н. А. Римского-Корсакова

(в Московской частной русской опере С. И. Мамонтова в 1886), исполненные по

эскизам Васнецова, - пример творческой интерпретации подлинного

археологического и этнографического материала, - оказали большое влияние на

развитие русского театрально-декорационного искусства в конце 19 - начале 20

вв. Пейзажные фоны произведений Васнецова на сказочные и исторические темы,

проникнутые глубоко национальным ощущением родной природы, то замечательные

лирической непосредственностью её восприятия ("Аленушка"), то эпические по

характеру ("После побоища Игоря Святославича с половцами"), сыграли важную

роль в развитии русской пейзажной живописи. В 1883-85 Васнецов выполнил

монументальное панно "Каменный век" для Исторического музея в Москве, в 1885-

96 - большую часть росписей Владимирского собора в Киеве. В росписях

Владимирского собора Васнецов пытался внести духовное содержание и

эмоциональность в традиционную систему церковной монументальной живописи,

которая во 2-й половине 19 в. пришла в полный упадок. Живопись Васнецова в

зрелый период, отличаясь стремлением к монументально-декоративному

художественному языку, приглушённому звучанию обобщённых цветовых пятен, а

порой и обращением к символике, предвосхищает позже получивший

распространение в России стиль "модерн". Васнецов исполнил также ряд

портретов (А. М. Васнецова, 1878; Ивана Петрова, 1883; оба - в Третьяковской

галерее), иллюстрации к "Песни о вещем Олеге" А. С. Пушкина (акварель, 1899,

Литературный музей, Москва). По его рисункам сооружены церковь и сказочная

"Избушка на курьих ножках" в Абрамцеве (под Москвой; 1883), выстроен фасад

Третьяковской галереи (1902). В советское время Васнецов продолжал работать

над народными сказочными темами ("Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем

Горынычем", 1918; "Кащей Бессмертный", 1917-26; обе картины - в Доме-музее В.

М. Васнецова в Москве).

Алёнушка

1881

Холст, масло

173*121

Государственная Третьяковская галерея

Иван Царевич на сером волке

1889

Холст, масло

249*187

Государственная Третьяковская галерея

Три богатыря

1879

Холст, масло

245*187,4

Государственнная Третьяковская галерея

Царь Иван Васильевич Грозный

1896

Холст, масло

148*241,5

Государственнная Третьяковская галерея

ВАЛЕНТИН АЛЕКСАНДРОВИЧ СЕРОВ

Серов Валентин Александрович (1865, Петербург - 1911, Москва) - художник.

Родился в семье композитора и музыкального критика А.Н. Серова. Рано проявив

художественные способности, с 1871 Серов брал уроки живописи в Мюнхене у К.

Кеппинга, затем у И.Е. Репина в Париже и в Москве. Репин ввел Серова в

Абрамцевский кружок в имении С. И. Мамонтова, во многом повлиявший на

молодого художника. Занятия в различных гимназиях дополнялись серьезной

подготовкой к поступлению в Академию художеств, студентом к-рой Серов стал в

1882. Учился главным образом у П.П. Чистякова, но курса не окончил, покинув

Академию художеств в 1885, завершив художественное образование в музеях

Голландии и Италии, оказавших на него огромное влияние. Начав свой творческий

путь как передвижник, Серов шел от натурализма к условности художественного

языка, отдав дань импрессионизму, "Миру искусства", стилю "Модерн", и во

многом определил художественный облик своего времени. Серов стал широко

известен как живописец, рисовальщик, иллюстратор, театральный художник. От

ранних работ - "Девочка с персиками" (1887), "Девушка, освещенная.солнцем"

(1888), будто бы сотканных из солнца и воздуха, - Серов перешел к

психологичным, выразительным портретам "К.А. Коровина" (1894), "Николая II"

(1900), "К.П.Победоносцева" (1902), "С.Ю. Витте" (1904), "Ф.И. Шаляпина"

(1905) и др., историческим композициям "Выезд Петра II и цесаревны Елизаветы

Петровны на охоту" (1900), "Петр 1" (1907) и др., иллюстрациям к басням И.А.

Крылова и др. В 1895 - 1897 преподавала Моск. уч-ще живописи, ваяния и

зодчества. В 1903 был избран действительным членом Академии художеств, к-рую

покинул в 1905 в знак протеста против расстрела людей 9 янв. 1905. Принимал

участие в организации сатирического журн. "Жупел", в к-ром рисовал полит,

карикатуры. В последние месяцы жизни Серов стремился реализовать свои искания

в области монументально-декоративной живописи. В 1914 была организована

посмертная выставка его произведений, оказавшая огромное влияние на

современников.

В. А. Серов родился в Петербурге 7 января 1865 года в семье известного

композитора А. Н. Серова. С детских лет будущего художника окружала атмосфера

искусства. Кроме музыкантов, в их доме бывали М. М. Антокольский, И. Е.

Репин. К тому же сам отец будущего художника был страстным любителем

рисования. Редкая наблюдательность и способности к рисованию пробудились у

мальчика рано, а условия, в которых он рос, благоприятствовали развитию

дарования. Сначала он учился у немецкого художника-офортиста А. Кемпинга,

затем его учителем стал И. Е. Репин, которому, по совету М. М. Антокольского,

В. С. Серова показывала рисунки сына.

И. Е. Репин начинает заниматься с юным Серовым сначала в Париже, а затем в

Москве и в Абрамцеве. После поездки со своим талантливым учеником в Запорожье

Репин в 1880 году направляет его в Академию художеств к прославленному П. П.

Чистякову.

Здесь молодой художник завоевывает уважение, его талант вызывает восхищение.

П. П. Чистяков говорил о Серове, что он еще не встречал в другом человеке

такой меры всестороннего художественного постижения в искусстве, какая

отпущена была природой его ученику. "И рисунок, и колорит, и светотень, и

характерность, и чувство цельности своей задачи, и композиция - все было у

Серова, и было в превосходной степени".

Друзья художника, его современники отмечали драгоценные человеческие качества

его натуры, редкую прямоту и честность.

Большое значение в формировании художественных взглядов имела жизнь Серова в

Абрамцеве и Домотканове. Среднерусская природа с рощами, полянами, оврагами,

перелесками, с околицами русских деревень полюбилась художнику с детских лет,

а дом Мамонтова, где над эскизами декораций трудились Коровин и Врубель, где

была мастерская майолики, где с успехом шла частная опера, вдохновил

художника на счастливые творческие успехи. В возрасте двадцати двух-двадцати

трех лет Серов создает произведения, которые стали классическими в русском

искусстве.

В Абрамцеве он пишет знаменитый портрет двенадцатилетней Веры Мамонтовой

"Девочка с персиками" (1887, ГТГ), в котором художнику, как он пишет,

хотелось сохранить "свежесть живописи при полной законченности, как у старых

мастеров". В Домотканове был создан портрет двоюродной сестры "Девушка,

освещенная солнцем" (1888, ГТГ). Вспоминая это время, Мария Яковлевна

Симанович писала: "Мы работаем запоем, оба одинаково увлеклись: он удачным

писанием, а я важностью своего назначения. Он искал нового способа передачи

на полотно бесконечно разнообразной игры света и тени при свежести красок.

Да, я просидела три месяца и почти без перерыва, если не считать те некоторые

сеансы, которые приходилось откладывать из-за плохой погоды. В эти несчастные

пропуски он писал пруд" ("Заросший пруд. Домотканово", 1888, ГТГ). Оба

портрета наполнены не только увлеченностью новой техникой живописи, но и

особой одухотворенностью, поэтичностью, что сразу выделило молодого художника

и сделало его известным. За картину "Девочка с персиками" Серов получил

премию Московского общества любителей художеств, а второй портрет тотчас

купил П. М. Третьяков.

В любимом Домотканове были созданы такие произведения, как "Октябрь" (1895,

ГТГ), "Стригуны" (1898, ГТГ), "Баба с лошадью (1898, ГТГ) и многие рисунки к

басням Крылова.

В 1887 году Серов женился на Ольге Федоровне Трубниковой. Семья была большой

и дружной. Детей В. А. Серов любил нежно и с удовольствием писал их. Портрет-

картина "Дети" (1899, ГРМ), где изображены сыновья художника Юра и Саша,

рисунок "Сестры Боткины" (1900, ГТГ), портрет Мики Морозова (1901, ГТГ)

привлекают лиричностью и тонким постижением детского характера.

Своему другу А. С. Мамонтову Серов сообщает в 1890 году: "Написал я в

Костроме два портрета. Совсем портретчиком становлюсь". Тонкий психологизм,

умение увидеть и показать, "коего духа человек перед ним", делают Серова

ведущим портретистом России. В портретах Серова - его современники, разные по

характеру, внутреннему миру: темпераментный певец Ф. Таманьо (1891, ГТГ),

обладающий, по образному выражению художника, "золотой глоткой",

жизнерадостный друг художника пейзажист К. А. Коровин (1891, ГТГ),

одухотворенный И. И. Левитан (1893, ГТГ), подчеркнуто-нервный Н. G. Лесков

(1894, ГТГ).

Старшая дочь Серова в воспоминаниях об отце писала, с каким творческим

горением работал художник над портретами.

"А вот глаза - глаза взглядывали быстро, с таким напряжением, с таким

желанием увидеть и охватить все нужное ему, что взгляд казался частицей

молнии, как молния, он мгновенно как бы освещал все до малейших

подробностей".

В середине 90-х годов Серова осаждают высокопоставленные заказчики. После

написания портрета Марии Федоровны Морозовой (1897, ГРМ), матери

архимиллионеров Морозовых, и картины-портрета С. М. Боткиной (1899, ГРМ),

показанного на Всемирной парижской выставке, началась новая линия в

творчестве художника. Современники говорили, что Серова нередко боялись,

боялись его прозорливости, неподкупных оценок, даже упрекали в том, что он

шаржирует модель. "Никогда не шаржировал, - отвечал он, - что делать, если

шарж сидит в самой модели, чем я виноват? Я только высмотрел, подметил".

В портретах Серова - не разбор отрицательных или положительных свойств

человека, а едкая ирония или остроумие, выраженное в блистательной

эстетической форме. Этими чертами отличаются портреты князей Юсуповых (1901-

1903, ГРМ), которых Серов начинал писать в Петербурге в 1901 году, а затем в

их родовом имении Архангельском под Москвой, портрет приват-доцента

Московского университета, миллионера М. А. Морозова (1902, ГТГ). Особенно

известен портрет банкира В. О. Гиршмана (1911, ГТГ), который, по

свидетельству дочери Серова, "все умолял убрать руку, которой он как бы

доставал золотые из кармана".

Серов не имел намерения обличать, он лишь заострял те черты, которые были

порой глубоко спрятаны в натуре и не каждому видны. Когда же человек был ему

приятен, хотя это был и официальный заказ, то под кистью мастера возникал

привлекательный образ: например, 3. В. Юсупова (1902, ГРМ) обаятельна

женственностью и мягкостью, Г. Л. Гиршман (1907, ГТГ) отличается

аристократической тонкостью.

Живописное мастерство, совершенство рисунка Серова необыкновенно высоки.

Полнота эмоционального воздействия произведений художника объясняется умением

найти точные изобразительные средства и в совершенной форме воплотить

многогранную картину жизни. Портрет работы В. А. Серова- "Портрет Портретыч",

как шутя называл этот жанр художник, - не просто талантливое воссоздание черт

индивидуального лица, но -и мир, в котором живет изображаемый человек.

Революция 1905 года оставила заметный след в творческом наследии и жизни

художника. Именно в эти годы сформировался облик Серова-гражданина, остро

осознающего социальную несправедливость. В Петербурге Серов стал очевидцем

расстрела рабочих на 5-й линии Васильевского острова и это потрясло его...

"Он слышал выстрелы, видел убитых. С тех пор его характер резко изменился -

он стал угрюм, резок, вспыльчив и нетерпим: особенно удивляли всех его

крайние политические убеждения", - писал о Серове Репин. В знак протеста он

вышел из состава действительных членов Академии художеств. В день

освобождения политических заключенных Серов находился у Таганской тюрьмы, был

в Университете, где строились баррикады, и на похоронах Баумана. В альбоме

художника появились рисунки: атаки казаков на безоружный народ, а затеми

картина, исполненная темперой, "Солдатушки, бравы ребятушки, где же ваша

слава?" (1905, ГРМ), "Баррикады, похороны Н. Э. Баумана" (1905, Гос. музей

Революции СССР), острые политические карикатуры, которые разоблачали Николая

II как палача революции: "1905 год: После усмирения", "1905 год. Виды на

урожай 1906 года" (1905, ГТГ).

В эти годы еще больше оттачивается мастерство Серова-рисовальщика. Портреты-

рисунки Ф. И. Шаляпина, К. С. Станиславского, И. М. Москвина, В. И. Качалова,

Н. А. Римского-Корсакова, М. А. Врубеля, Л. Н. Андреева составляют гордость

русского искусства.

На рубеже 1890-1900 годов художник обращается к прошлому русской истории.

Появляется цикл карандашных рисунков, гуашей, акварелей, картин темперой,

маслом. Небольшие композиции кажутся необычайно жизненными, будто написаны с

натуры ("Выезд на охоту Петра II и Елизаветы Петровны", 1900, ГРМ).

Героическая эпоха Петра 1, суровая и небывалая, завладевает воображением

художника. Одна из лучших композиций - темпера "Петр 1" (1907, ГТГ). Петр на

"журавлиных" ногах, грозный и стремительный, движется навстречу сильному

ветру. Его нелепая карнавальная свита (столь необычные формы принимают их

развевающиеся на ветру одежды) с трудом продвигается за ним. В стремительном

шаге Петра навстречу новой стройке, в бурлящей воде, в тоненьких мачтах

кораблей, в несущихся облаках - во всем ощущение динамики преобразований,

которые стали возможными благодаря напору воли, энергии, вихревому натиску

мужественных людей.

В мае 1907 года Серов едет в Грецию, которая произвела на него огромное

впечатление. В античной классике художник восхищен декоративностью

памятников, их соразмерностью. Он стремится воплотить увиденное и передать

существо легендарной истории, красоту мифологии Эллады. Художник создает

поэтическое сказание "Похищение Европы" (1910, ГТГ) и различные варианты

"Одиссея и Навзикаи" (1910, ГТГ, ГРМ).

Не менее интересна работа В. А. Серова в театре. Его занавес к балету

"Шехерезада" имел большой успех и в Париже и в Лондоне.

Интересом к монументально-декоративному искусству было вызвано и особое

решение портрета танцовщицы Иды Рубинштейн (1910, ГРМ). Серов находил в

облике актрисы черты подлинного Востока и сравнивал ее с фигурами античных

барельефов.

В портретах последних лет - О. К. Орловой (1911, ГРМ), В. О. Гиршмана (1911,

ГТГ) - художник стремится к обостренной выразительности формы. Это особенно

заметно в портрете Г. Л. Гиршман (1911, ГТГ) и в неоконченном портрете П. И.

Щербатовой.

Рано утром 22 ноября 1911 года В. А. Серов спешил на портретный сеанс к

Щербатовым... упал и умер от приступа стенокардии... Умер в самом расцвете

творчества, в возрасте сорока шести лет...

Смерть художника потрясла его современников. Преклонявшийся перед талантом

мастера поэт В. Брюсов писал: "Серов был реалистом в лучшем значении этого

слова. Он видел безошибочно тайную правду жизни, и то, что он писал, выявляло

самую сущность явлений, которую другие глаза увидеть не умеют".

Портрет Г. Л. Гиршман

1907

Масло, холст

140*140

Государственная Третьяковская галерея

Портрет балерины А.П.Павловой

1909

бумага голубая, уголь, мел

194*170

Государственный Русский Музей

Девочка с персиками

1887

Холст, масло

91*85

Государственная Третьяковская галерея

Волы

1885

Холст, масло

47,5*59,5

Государственная Третьяковская галерея

ИВАН НИКОЛАЕВИЧ КРАМСКОЙ

Русский художник жанровой, исторической и портретной живописи. Вдохновитель

организатор "передвижников".

С 1856 г. Учился в Петербургской Академии художеств. Увлекался революционно-

демократическими идеями Н. Чернышевского, Д. Писарева и Н. Добролюбова.

Без Ивана Николаевича Крамского невозможно представить демократическую

художественную культуру второй половины Х1Х века. Крамской играл определяющую

роль на всех этапах развития передовой русской живописи 1860-1870-х годов. Он

по праву был идейным лидером, совестью и мозгом передвижничества. Сила

интеллекта, редкий организаторский талант и темперамент прирожденного

общественного деятеля, которым был наделен Крамской, дали основание

утверждать, что Крамской сделал более для искусства, чем в искусстве, что он

был художественным деятелем по преимуществу. Крамской безбоязненно

всматривался в человека, раскрывал глубокие драмы человеческого сердца, что

по убеждению художника, " и есть действительное искусство в его настоящем

значении и высший его род". Через всю жизнь Крамского прошла работа над

портретом. Своим стремительным взлетом в 1870-е годы Крамской - портретист во

многом обязан П. М. Третьякову, с которым его связывала в ту пору духовная

близость, общность эстетических и жизненных взглядов. Свидетельством того

остался камерный, не предполагавшийся для публичного показа портрет

основателя Третьяковской галереи, в котором за внешней замкнутостью,

строгостью облика живет сердечное тепло и подлинная одухотворенность. Лучшие

портреты Крамского 1870-х годов созданы в осуществление давнего масштабного

замысла Третьякова, над которым в начале 1870-х годов работал В. Г. Перов, а

в 1880-е годы - И. Е. Репин: создание портретной галереи выдающихся деятелей

русской культуры, прежде всего писателей.

Центральным творением Крамского 1870-х годов явился портрет Л. Н.

Толстого(1873). С силой, почти равною толстовской, художник понял и передал

владевшее Толстым чувство единства с жизнью. М. Е. Салтыков - Щедрин в

портрете 1879 года предстает, напротив, в состоянии открытого и вызывающего

противостояния действительности. Очень интересен и портрет А. С. Грибоедова

(1873).

На 2-ой Передвижной выставке в 1873 году появилась картина Крамского "Христос

в пустыне", которая вызвала долго не утихавшую полемику. Крамского

неоднократно просили пояснить его произведение. В письме-ответе В. М. Гаршину

Крамской пишет о том, что хотел запечатлеть драматическую ситуацию

нравственного выбора, тот неизбежный момент в жизни каждого человека, когда

приходится решать - "пойти ли направо или налево, взять ли за господа бога

рубль или не уступать ни шагу злу". Эти слова невозможно понимать

прямолинейно. Для Христа, изображенного Крамским, колебаний и выбора не

существует. Для него нет альтернативы, нет возможности отступления от своего

трагического пути. Крамской пишет не столько момент сомнений, сколько

собирание внутренних сил. Эта картина о нравственной предопределенности

человеческого существования, о том, чего стоит человеку жить по совести при

абсолютной невозможности для него поступать иначе.

В трех главных картинах Крамского 1880-х годов - "Лунная ночь", "Неизвестная"

и "Неутешное горе" - выражение общечеловеческого оказывается связано с

воплощением женских образов.

Неясность сюжета "Неизвестной" (1883) повела к взаимоисключающим толкованиям

картины. Быть может, ни в одной его картине человек не присутствует на холсте

с такой дразнящей несомненностью и в то же время не остается столь внутренне

загадочен и закрыт для зрителя. "Неизвестная" как бы воплощает реальность

присутствия идеала в жизни и одновременно его недостижимость.

"Неутешное горе"(1884) - последняя по времени создания большая картина

Крамского, навеянная тяжелыми личными переживаниями, смертью двух младших

сыновей. Крамской пишет "тишину высказывания" материнского горя. Картина

"Неутешное горе" - о том, как много сил требуется человеку, чтобы продолжать

жить.

Крамской неизменно видел задачу искусства в том, чтобы оно приходило на

помощь человеку в моменты душевных испытаний, даровало ему "успокоение и

крепость для продолжения того, что называется жизнью. Этим и определяется

сдержанное достоинство искусства Крамского.

ИЛЬЯ ЕФИМОВИЧ РЕПИН

Репин Илья Ефимович [24.7(5.8).1844, Чугуев, ныне Харьковской области, -

29.9.1930, Куоккала, Финляндия, Репино Ленинградской области], русский

живописец. Родился в семье военного поселенца. Учился в Петербурге в

Рисовальной школе Общества поощрения художников (конец 1863) у Р. К.

Жуковского и И. Н. Крамского и в петербургской АХ [1864-71; в 1873-76

пенсионер (стипендиат) в Италии и Франции]. Член Товарищества передвижных

художественных выставок. Действительный член петербургской АХ (1893). В годы

учёбы Репин сблизился с оказавшими на него большое влияние И. Н. Крамским и

другими членами Артели художников, а также с В. В. Стасовым, познакомившись с

эстетикой революционных демократов, он стал убеждённым её приверженцем. В

1860-е гг. Репин работает над учебными академическими произведениями и

одновременно, вне стен АХ, - над портретами, жанровыми картинами и рисунками.

В некоторых академических произведениях на мифологические и религиозные

сюжеты ему удалось добиться жизненности образов, выразительной

психологической характеристики действующих лиц ("Воскрешение дочери Иаира",

1871, Русский музей, Санкт-Петербург). Одарённость, наблюдательность и

страстный темперамент художника, умение использовать позу, жест модели для её

образной характеристики отчётливо проявились уже в его ранних портретах

(портреты В. Е. Репина, 1867, Третьяковская галерея.; Р. Д. Хлобощина, 1868,

и В. А. Шевцовой, 1869, - оба в Русском музее). В эти годы Репин создал

большой групповой портрет "Славянские композиторы" (1871-72, Московская

консерватория), в который, добиваясь, естественности группировки действующих

лиц, ввёл жанровые элементы.

С начала 70-х гг. Репин выступает как художник-демократ; он отстаивает

принципы народности художественного творчества, борется против далёкого от

жизни академического искусства. После поездок на Волгу, где Репин наблюдал

жизнь бурлаков, и длительной работы над этюдами Репин пришёл к её глубокому и

яркому истолкованию в картине "Бурлаки на Волге" (1870-73, Русский музей).

Картина обличает эксплуатацию народа и вместе с тем утверждает скрытую в нём

силу и зреющий протест. Репин передал индивидуальные неповторимые черты

измученных тяжёлой работой героев картины, наделённых большой духовной

красотой. Эта работа Репин стала новым явлением в русской живописи: жанровое

произведение приобрело монументальный характер, став обобщающим изображением

современной жизни, не только раскрывающим противоречия действительности, но и

утверждающим положительную силу общества - народ; пластическая мощь и широта

живописи картины были в то время новаторством. В годы пребывания в Италии и

Франции Репин ознакомился с искусством Западной Европы. Наиболее значительная

жанровая картина этих лет "Парижское кафе" (1874-75, собрание Монсона,

Стокгольм) свидетельствует о наблюдательности художника, передаёт отдельные

характерные черты парижской жизни. Во Франции Репин написал картину "Садко в

подводном царстве" (1876, Русский музей), воплотив в ней свои думы о родине.

Более удачны пейзажи этого периода, явившиеся важным шагом в овладении Репин

пленэрной живописью ("Лошадь для сбора камней в Вёле", 1874, Саратовский

художественный музей им. А. Н. Радищева; "Дорога на Монмартр в Париже", 1876,

Третьяковская галерея). Вернувшись из-за границы, Репин едет в Чугуев, желая

в общении с народом найти темы и образы для новых произведений. Здесь им

написаны портреты крестьян, отличающиеся поразительной силой типизации

("Мужик с дурным глазом", Третьяковская галерея, "Мужичок из робких",

Горьковский художественный музей, - оба 1877); в портрете протодьякона (1877,

Третьяковская галерея) Репин изобразил властного, исполненного грубой силы

человека. В конце 1870 - начале 1880-х гг. Репин, сначала в Чугуеве, а затем

в Москве, увлеченно работал над крестьянской темой ("Проводы новобранца",

1879, Русский музей; "Вечорницi", 1881, Третьяковская галерея), в некоторых

эскизах и картинах раскрывая социальные противоречия пореформенной деревни

("В волостном правлении", 1877, Русский музей). Эти произведения подготовили

Репин к созданию такого полотна, в котором должна была раскрыться жизнь

современной России и народная тема получила бы широкое обобщённое решение.

Пореформенную Россию, сложность существовавших в ней социальных отношений,

многообразие её жизни Репину удалось показать в картине "Крестный ход в

Курской губернии" (1880-83, Третьяковская галерея). Изобразив многолюдное

шествие, в котором участвуют помещица, отставной военный, откупщик,

священники, нищие, странники и огромная толпа народа, рождающая впечатление

безбрежной стихийной силы, Репин дал в картине яркие характеристики

действующих лиц. Это произведение Репина стало целой поэмой о бедности и

забитости народа, о его жажде лучшей доли, о чванливых барах и других

"хозяевах" деревни. Она была бичующим обличением мерзостей существовавшего

строя и прославлением народа, угнетённого и обманутого, но великого и

могучего. В строго продуманной композиции картины, в её живописи проявилось

высокое мастерство Репина, передавшего световоздушную среду, яркое солнечное

освещение, добившегося необычайной жизненности сцены.

С 1882 Репин жил в Петербурге. Конец 1870-х - 1880-е гг. наиболее

плодотворный период в творчестве художника. Появление на выставках его лучших

картин, проникнутых идеями освобождения народа, борьбы с самодержавным

строем, было событием в художественной и общественной жизни России. В 1880-х

гг. Репин много работал над темой революционного движения. Сочувствуя

революционерам, видя в них героев борьбы за народное счастье, Репин создал

целую галерею положительных образов, ярко и правдиво отразив и силу, и

слабость разночинского революционно-демократического движения ("Отказ от

исповеди", 1879-85, "Арест пропагандиста", 1880-92, "Не ждали", 1884-88, -

все в Третьяковской галерее). В центральном произведении цикла - "Не ждали" -

изображена сцена возвращения ссыльного домой. В образе революционера звучит

трагическая тема трудной судьбы героя. Репин показал зрителю сложную гамму

переживаний членов семьи, встречающих отца, сына, мужа. Композиционное

построение картины с его чёткостью, необходимой для монументального полотна,

обусловлено психологическими взаимоотношениями героев; картина напоена

воздухом и светом, для передачи которых Репин пользуется чистыми и светлыми

цветами, составляющими единую цветовую гамму. Изображая героическое и

возвышенное в жизни рядовых людей, Репин придавал бытовому жанру то высокое

значение, которое раньше имела лишь историческая живопись. В 1870-80-е гг.

Репин создаёт и лучшие портреты. В них проявились его демократизм, его любовь

к человеку, глубокий психологизм. В грандиозной портретной галерее, созданной

Репиным, как и в жанровых картинах, раскрылись существенные черты русской

жизни - столь ярки в социальном плане и столь много говорят о своей эпохе эти

портреты [В. В. Стасова (1873), А. Ф. Писемского (1880), М. П. Мусоргского

(1881), Н. И. Пирогова (1881), П. А. Стрепетовой (1882), А. И. Дельвига

(1882), Л. Н. Толстого (1887) - все в Третьяковской галерее; В. В. Стасова

(1883), Русский музей]. Высокого мастерства достигает Репин в 80-е гг. и в

графике, в частности в портретном рисунке; графическая манера Репина к этому

времени становится свободной, способной передавать натуру во всём

многообразии и красоте (рисунок "Девочка Ада", 1882, Третьяковская галерея, и

"Невский проспект", 1887, Русский музей, - оба карандаш). В 1880-1900-е гг.

Репин много работает над иллюстрациями.

Репин был также выдающимся художником в области исторической живописи. Его

интерес к прошлому определялся вопросами, поднимавшимися современностью.

Репина привлекали сильные натуры, судьбы которых связаны со значительными

историческими сдвигами, привлекали психологические и драматические задачи

("Царевна Софья", 1879, Третьяковская галерея). Картина "Иван Грозный и сын

его Иван" (1885, Третьяковская галерея), поражающая силой переданных в ней

страстей и экспрессией их выражения, прозвучала как обличение деспотизма.

Последним значительным историческим произведением Репина была картина

"Запорожцы пишут письмо турецкому султану" (1878-91, Русский музей), главным

героем которой стал свободолюбивый народ, мужественно отстаивающий свои

интересы. В 1890-е гг. Репин, переживая известный творческий кризис, временно

порвал с передвижниками. В его статьях и письмах проскальзывают мысли,

позволявшие современникам считать Репина отступником от идей демократической

эстетики, но к концу 90-х гг. Репин вернулся на прежние позиции. В поздний

период при отдельных удачах, Репин уже не создал картин равных произведениям

1870-80-х гг. Лучшие произведения 1890-1900-х гг. - это графические портреты,

обычно изображения людей с ярко выраженным творческим, артистическим началом

(портрет Э. Дузе, уголь, 1891, Третьяковская галерея), а также впечатляющие

остротой социальных характеристик и живописным лаконизмом портреты-этюды к

монументальному групповому портрету "Торжественное заседание Государственного

Совета" (выполнен совместно с художником Б. М. Кустодиевым и И. С. Куликовым,

1901-03, Русский музей). Глубоко народное, тесно связанное с передовыми

идеями своей эпохи, творчество Репина - одна из вершин русского

демократического искусства. В 1894-1907 Репин преподавал в АХ (в 1898-99 -

ректор), став учителем И. И. Бродского, И. Э. Грабаря, Д. Н. Кардовского, Б.

М. Кустодиева и многих др. После 1917 Репин, живший в усадьбе "Пенаты" в

Куоккале (с 1899), оказался за рубежом. (Куоккала до 1940 принадлежала

Финляндии.) Живя в Финляндии, Репин не порывал связей с Родиной, мечтал

вернуться в СССР. В "Пенатах", где он умер и похоронен, в 1940 был открыт

мемориальный музей. Мемориальный музей Репина есть также в Чугуеве. В 1958 в

Москве открыт памятник Репину (бронза, гранит, скульптор М. Г. Манизер,

архитектор И. Е. Рожин).

ВАСИЛИЙ ИВАНОВИЧ СУРИКОВ

Василий Иванович Суриков родился в сибирском городке Красноярске 12 января

1848 года в казачьей семье. С Ермаком пришли с Дона его предки по отцовской

линии, от которых он унаследовал гордый, вольнолюбивый характер. Мать также

была из старинной казачьей семьи Торгошиных. Петр и Илья Суриковы, как и

Василий Торгошин, упоминаются среди участников Красноярского бунта 1695—1698

годов. Суриков гордился своим происхождением и писал об этом: "Со всех сторон

я природный казак... Мое казачество более, чем 200-летнее". Не осталась для

него бесследной и художественная одаренность родителей. Отец его, страстный

любитель музыки, великолепно играл на гитаре и считался лучшим певцом

Красноярска; мать, прекрасная вышивальщица, обладала врожденным

художественным вкусом. Истоком формирования понятий Сурикова о красоте была

Сибирь, с суровостью, подчас жестокостью нравов, с мужеством людей, удалью

народных игр, с "древней русской красотой" девичьих лиц, с величественной

природой, живым дыханием истории.

Первым, кто поддержал мальчика, был Н. В. Гребнев, учитель рисования

Красноярского уездного училища, которое Суриков окончил с похвальным листом.

По заданию Гребнева он копировал гравюры с картин старых мастеров, постепенно

постигая искусство их времени, "Гребнев меня учил рисовать, чуть не плакал

надо мною", — с благодарностью говорил Суриков о своем первом наставнике.

Чтобы поддержать семью после смерти отца, Суриков вынужден служить

канцелярским писцом. Иногда приходилось, вспоминал он позднее, "яйца

пасхальные рисовать по три рубля за сотню"; однажды он выполнил на заказ

икону "Богородичные праздники".

Рисунки Сурикова привлекли внимание красноярского губернатора П. Н. Замятина,

и тот ходатайствовал перед Советом Академии о зачислении Сурикова учеником.

Из Петербурга пришел положительный отзыв о работах, но с оговоркой, что

стипендия назначена не будет. Помог богатый золотопромышленник П. И.

Кузнецов, любитель искусства и коллекционер, который взял на себя расходы по

содержанию молодого художника. В середине декабря 1868 года с обозом

Кузнецова Суриков отправился в дорогу, длившуюся два месяца. К экзаменам в

Академию Суриков оказался недостаточно подготовленным. Он поступил в школу

Общества поощрения художеств к М. В. Дьяконову и за три летних месяца освоил

трехгодичный курс. 28 августа 1869 года Суриков успешно сдал вступительные

экзамены в Академию художеств, его приняли вольнослушателем и зачислили в

головной класс. Осенью следующего года он уже работает над первым

самостоятельным произведением "Вид памятника Петру I на Сенатской площади в

Страницы: 1, 2, 3, 4